Cine de animación
El cine de animación es aquél en que se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento
continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe
movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos, modelos,
objetos y otras múltiples técnicas), de forma que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras
en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento
inexistente en la realidad.
Definición de animación
Según el animador norteamericano Gene Deitch, "animación cinemática es el registro de fases de una acción imaginaria creadas
individualmente, de tal forma que se produzca ilusión de movimiento cuando son proyectadas a una tasa constante y predeterminada,
superior a la de la persistencia de la visión en la persona."
Técnicas de animación
Según con qué elementos se elabore esta ilusión de movimiento, se distinguen numerosas técnicas en el cine de animación.
Las tres principales son:
Pero existen otras muchas técnicas, generalmente no usadas en largometrajes sino en cortometrajes de carácter no
comercial:
- Pixilación (animación de objetos normales y actores)
- Cut-outs (recortes)
- Animación de arena
- Pantalla de agujas
- Pintura sobre cristal
- Dibujo directo sobre la película
Animación completa y animación limitada
En el cine existe un estándar de 24 imágenes por segundo. Esa es la tasa a la que graban las cámaras y proyectan los
proyectores. Se toma una fotografía de la imagen cada veinticuatroavo de
segundo. En la animación, sin embargo, las imágenes no se toman sino que se producen individualmente, y por ello no tienen que
cumplir necesariamente con el estándar del cine. Una película de animación tiene siempre 24 fotogramas por segundo, pero no
necesariamente todos esos fotogramas muestran imágenes diferentes: en la animación, las imágenes suelen repetirse en varios
fotogramas.
Así pues, tenemos varias tasas de animación:
- En unos: cada imagen es diferente, sin repetición. 24 imágenes por segundo, 1 imagen cada fotograma.
- En doses: cada imagen se repite dos veces. 12 imágenes por segundo, 1 imagen cada 2 fotogramas.
- En treses: cada imagen se repite tres veces. 8 imágenes por segundo, 1 imagen cada 3 fotogramas.
Se ha calculado que el umbral visual por debajo del que ya no se capta un movimiento sino imágenes individuales es de 7
imágenes por segundo.
Animación completa es cuando se anima en unos o en doses. Es el estándar de la animación estadounidense para
salas de cine, principalmente las películas de Disney, y también los
largometrajes europeos. Generalmente, se animan las escenas con muchos movimientos
rápidos en unos, y el resto en doses (la pérdida de calidad es imperceptible).
Animación limitada es cuando se anima en una tasa inferior. El estándar del anime japonés es animación en treses. La pérdida de calidad ya es
perceptible si se es observador. El concepto de animación limitada también afecta a otros aspectos diferentes de la tasa. Por
ejemplo, es animación limitada cuando se repiten ciclos: pensemos en Pedro Picapiedra corriendo mientras al fondo aparecen una y
otra vez las mismas casas en el mismo orden. Hay que tener en cuenta que, en la técnica de dibujos animados, diferentes elementos
de la imagen (un personaje, otro personaje, un objeto móvil, un plano del fondo, otro plano del fondo) se animan por separado, y
que por tanto dentro de la misma escena puede haber elementos con diferentes tasas de animación.
Breve Historia de la animación
- La animación apareció antes que el propio cinematógrafo. En 1888 el francés Emile Reynaud inventó el
praxinoscopio, uno de los muchos juguetes ópticos de la época, en el cual se utilizaba una técnica pre-cinematográfica de
animación.
- El padre del cine de animación fue el francés Emile Cohl, que desde 1908 realizó los
primeros cortometrajes de dibujos animados. Otros pioneros fueron Georges Mélies, James Stuart
Blackton y el español Segundo de Chomón.
- Durante la época del cine mudo y los primeros años del cine sonoro aparecieron las principales formas del cine de
animación.
-
- Por un lado, las películas más comerciales, destinadas al público masivo (Walt Disney, Popeye, Betty Boop, etc.).
- Por otro lado, artistas de vanguardia que contemplaron la animación como una extensión de las artes plásticas y realizaron
obras experimentales (Oskar Fischinger, Len Lye, etc.).
- Entre medias, infinitas modalidades, desde los cuentos tradicionales en siniestros muñecos animados por Ladislaw Starewicz
hasta el "reportaje animado" sobre el hundimiento del Lusitania de Winsor McCay.
- El primer largometraje de animación fue mudo y argentino: El Apóstol (1917) de
Quirino Cristiani, película que desgraciadamente se ha perdido. Otros largometrajes tempranos (que sí están a disposición del
público actual) fueron Die abenteuer des Prinzen Achmed (Alemania, 1926) de Lotte
Reiniger y Le roman de Renard (Francia, concluida en 1930 pero estrenada en
1937) de Starewicz. Finalmente, en 1937 Walt Disney estrenó Blancanieves y los siete
enanitos.
- Después de la Segunda Guerra Mundial hubo un enorme
desarrollo del cine de animación.
-
- En Estados Unidos, se consolidó el cartoon clásico con los largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner
Bros. (con artistas como Chuck Jones y Friz Freleng; personajes como Bugs Bunny, el pato Lucas, Elmer, Porky, etc.), de la Metro
Goldwyn Mayer (con Tex Avery) y posteriormente el nuevo estilo de la UPA.
- El National Film Board of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas y
se comenzó con la enseñanza de la animación, lo que convertiría a Canadá en una potencia de primer orden. Todo esto se debe a la
labor del principal animador experimental y abstracto de todos los tiempos: Norman McLaren. Aún hoy se pueden ver conceptos que
inventó McLaren hasta en anuncios y videoclips.
- En los países del bloque comunista, el Estado promovió intensamente la
animación. Esto permitió a muchos animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo (y en
muchos casos realizaron películas contra el régimen político que sufrían, en clave para pasar la censura). La primera gran figura
de este desarrollo fue la del animador checo de marionetas Jiri Trnka,
un artista popular y delicado.
- En estos años también empezaron a realizarse películas animadas en China y
Japón.
- En los años 60 y 70, con la popularización de la televisión, los cortometrajes de animación desaparecieron definitivamente de
los cines, a partir de entonces limitadas a los largometrajes comerciales, terreno dominado absolutamente por Disney hasta los
años 90. A pesar de ello el cortometraje floreció en otros canales de distribución (festivales, circuitos especializados, etc.),
sobre todo con la aparición de numerosas escuelas de animación en todo el mundo.
-
- En Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó la animación para televisión y Disney la animación para cine. Sin embargo, en los
años 70 algunas alternativas gozaron de favor del público. El más conocido puede ser Ralph Bakshi, con sus primeras películas
pertenecientes al movimiento underground (Heavy Traffic, Fritz el gato caliente) y posteriormente sus películas de
fantasía (El señor de los anillos, Wizards, Tygra).
- En Europa del Este, los herederos de Jiri Trnka convirtieron sus industrias nacionales en las más potentes del mundo, desde
las series de televisión para niños hasta los cortometrajes artísticos más oscuros y radicales: la producción fue enorme y la
variedad inigualable. De entre los muchos artistas importantes, el más famoso es el checo Jan Svankmajer, que utiliza el
stop-motion y la plastilina para crear espeluznantes mundos surrealistas.
- En Japón, Osamu Tezuka protagonizó la explosión de los dibujos animados nipones, en lo sucesivo conocidos como anime. Autor
de cómics inmensamente prolífico, adaptó varias de sus propias obras, consiguiendo un éxito absoluto con la serie de televisión
Astro boy, que definió los rasgos habituales del anime: animación limitada, dirección a imitación del cine de imagen
real, vínculo entre la industria de la animación y la del cómic. Tezuka, un huracán creativo, también realizó largometrajes y
hasta cortometrajes experimentales. Durante los años 60 el anime fue habitual en las salas de cine, pero en la década siguiente
quedó confinado a la televisión. También hubo notables animadores independientes como Yoji Kuri y Kihachiro Kawamoto.
- En Europa occidental los logros fueron más puntuales: películas como El submarino amarillo de George Dunning,
Allegro non troppo de Bruno Bozzetto o El planeta salvaje de Réne Laloux tuvieron repercusión. En el
cortometraje destacaron artistas como Raoul Servais o Paul Driessen.
- En las últimas dos décadas, el cine de animación ha conocido un desarrollo sin precedentes. La caída de los regímenes
comunistas de Europa del Este ha hecho que se reduzca enormemente la aportación de estos países, sobre todo las facetas menos
comerciales, pero sigue existiendo una enorme variedad en el resto del mundo, y por primera vez la enorme diversidad de los
cortometrajes está empezando a hacerse notar, aunque sea con limitaciones, en los largometrajes comerciales.
-
- En EEUU, Disney ha tenido un momento de esplendor a principios de los 90, con algunas de sus más exitosas (y también mejores)
películas, sobre todo La bella y la bestia de Trousdale y Wise. Posteriormente ha ido cayendo nuevamente en la
repetición, el seguimiento de las modas y el descrédito. El 2004 puede marcar la fecha en que Disney abandone los dibujos
animados. El principal problema de Disney ha sido el auge de la infografía, que ha llevado a la compañía Pixar de John Lasseter
(inicialmente una pequeña productora que realizaba cortos infográficos experimentales en los 80) a convertirse en la más exitosa
productora del mundo, con películas de calidad comparable a algunos de los mejores Disney: Toy story, Bichos,
Monstruos SA, etc. También se han producido algunas películas aisladas de gran calidad, como El gigante de
hierro de Brad Bird, Pesadilla antes de Navidad de Henry Selick, y las totalmente independientes y artesanales
Me casé con un extraño y Mutant aliens de Bill Plympton, un frenético humorista que también es el autor de
cortometrajes más conocido del período.
- El anime japonés se ha convertido en la industria más prolífica del planeta, popularizándose en todo el mundo. Las series de
televisión son innumerables y siguen siendo la atracción principal para millones de aficionados. Los largometrajes para cines,
después de desaparecer prácticamente durante los 70, volvieron con una fuerza creativa y comercial inusitada, principalmente a
partir de Nausicaa del valle del viento de Hayao Miyazaki y Akira de Katsuhiro Otomo. Se ha producido una
explosión en la variedad de los estilos y temáticas que se tratan, con autores tan radicalmente diferentes como Mamoru Oshii,
Satoshi Kon o Isao Takahata, mientras el citado Miyazaki se ha convertido en un director de culto internacional con el prestigio
de los grandes directores de imagen real. Un animador independiente que ha logrado reconocimiento en Occidente ha sido Koji
Yamamura.
- Las diferentes industrias europeas han atravesado situaciones muy diferentes en este períoso.
-
- En Francia han destacado los cortometrajes de la productora Folimage; en largometraje, el éxito de Kirikú y la bruja
de Michel Ocelot ha abierto el camino para un número creciente de películas de ambiciones y calidad notables: Bienvenidos a
Belleville de Sylvain Chomet, Corto Maltese: La cour secrète des Arcanes de Pascal Morelli, La prophétie des
grenouilles de Jacques-Remy Girerd, etc.
- En el Reino Unido, la productora Aardman Animation (dedicada principalmente a animación con plastilina) se hizo popular a
ambos lados del Atlántico con sus cortometrajes (especialmente la saga de Wallace y Gromit, de Nick Park) y se lanzó a la
producción de largometrajes con Evasión en la granja del mismo director. Al abrigo de este éxito florecía la animación
independiente con un elevado número de nombres interesantes, como el estudio Bolexbrothers, y los cortometrajistas Barry Purves,
Phil Mulloy y los hermanos Quay.
- Nuevas generaciones de animadores de los países del Este han mantenido viva su tradición, casi exclusivamente en
cortometrajes, entre los que destacan: los rusos Garri Bardin, Aleksandr Petrov y Konstantin Bronzit; los checos Aurel Klimt (con
su prestigioso largometraje Fimfarum) y el veterano pero aún activo y conocido Jan Svankmajer; el polaco Piotr Dumala;
los letones Priit Pärn y Priit Tender; etc.
Festivales de animación
Los festivales de animación acogen tanto largometrajes comerciales como cortometrajes de todos los tipos, y son el principal
medio de difusión para estos últimos. Los principales festivales de animación del mundo son los siguientes:
En España los más relevantes son:
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